Elección del curador: los artistas negros queer adoptan el arte figurativo en sus propios términos

Curator's Choice es una serie mensual de curadores invitados que presenta colecciones de obras de arte y ensayos de voces emergentes y líderes en las artes o en la cultura en general. Las obras de arte destacadas están todas disponibles en Artsy.

¿Cómo pueden los artistas negros, especialmente los artistas negros queer y trans, crear obras figurativas que pongan su subjetividad en el centro? Es una cuestión urgente que va más allá de la estética. El cambio cultural hacia la inclusión de las perspectivas negras que ha ocurrido en los últimos años con demasiada frecuencia se siente como lugares comunes: un compromiso ilusorio hecho a través de un lenguaje motivado por relaciones públicas e ideas vagas en lugar de un cambio material sostenible. Con esta lucha cultural han surgido ideas huecas de lo que significa representar la vida negra.

Dado que los artistas negros siguen siendo vistos por la corriente principal con demasiada frecuencia como una forma de moneda social, muchos eligen optar por no participar en esta versión insidiosa de representación. Los artistas que son negros, queer y trans también soportan múltiples experiencias cruzadas de este dañino proceso de aplanamiento, por lo que, para muchos, volver a centrar la interioridad es un medio para representar la plenitud de la vida negra. Para estos artistas, ser visto verdaderamente con especificidad, tanto por sus parientes como por uno mismo, es un bálsamo que ofrece una sensación de seguridad y cuidado. Esta selección curada de artistas señala las formas en que las prácticas figurativas transformadoras pueden ser un medio para rechazar la fácil legibilidad requerida por la cultura en general.

El trabajo del artista nacido en Filadelfia y radicado en Filadelfia, Jonathan Lyndon Chase, está dirigido tanto hacia adentro como hacia afuera de esta manera. Trabajando en escultura, video, instalación y en papel, Chase pone en primer plano y afirma con gracia la subjetividad negra queer, femme y expansiva de género. En Cold Dark hug (2020), una de las varias obras en lienzo de muselina del artista, dos figuras se abrazan bajo un cielo estrellado negro. Sus ojos están cerrados, ya que parecen encontrar su hogar en este momento de ver y ser vistos, el tipo de cuidado y afecto que los negros queer se ofrecen a menudo unos a otros. Este trabajo involucra a su audiencia al retratar una especie de reconocimiento mutuo que depende de una experiencia vivida compartida.

Amor cargado boca a boca (2021) también evoca toda la amplitud de la intimidad queer. Dos marineros se besan contra el fondo de una extensión negra, y un campo adornado de rojo cubre la parte inferior de sus cuerpos. Aquí, la sexualidad negra queer está centrada pero rechaza la visualización tradicional. En cambio, la imagen de estos cuerpos en relación entre sí permanece invisible para los extraños, un llamado a una subjetividad queer activa más allá de los límites de lo convencionalmente representable. Al igual que en El abrazo de la oscuridad fría, la vida negra queer se representa dentro de un cosmos de negrura en el lienzo, amorosamente liberada de taxonomías y contextos representativos estrictos en un espacio liberador y amorfo.

Los tapices hechos a mano de la artista textil Qualeasha Wood, residente en Nueva York, son autorretratos de la propia artista, a menudo presentada como un ídolo religioso. Al crear textiles a partir de imágenes digitales, los autorretratos reformulados de Wood complican la jerarquía racial y de género de la mirada. Estos trabajos también critican las formas en que históricamente se ha explotado la producción laboral y cultural de las mujeres negras.

Por ejemplo, un halo de flechas de cursor en Click (2023) convierte la imagen de Wood en un punto focal para el espectador. Sin embargo, al utilizar iconografía extraída de la cultura de Internet de la era millennial y al desplazar la orientación espacial convencional, la obra evita la violencia consuntiva de la mirada históricamente misógina. Continuando con esta práctica de rechazo, Wood es conocida por su práctica de superponer digitalmente múltiples imágenes y palabras debajo del plano observable de su trabajo. Los tapices finales, tal como los ve el público, siguen siendo completamente desconocidos (y, del mismo modo, inconsumibles) para todos menos para su creador.

Trabajando desafiando las expectativas de la fotografía, el artista de Los Ángeles Paul Mpgai Sepuya subvierte de manera similar el acto de mirar en sus retratos meticulosamente construidos en el estudio. La propia comunidad de Sepuya es a menudo el tema de su trabajo altamente intencional: los amigos y los amantes a menudo se muestran, se fragmentan visualmente o se abstraen a través de accesorios, encuadres y manipulación del plano fotográfico. A Sitting for Matthew (2015) es típico del proceso de Sepuya, ya que interrumpe el acceso del espectador a la escena mediante el uso de espejos, creando un punto de vista renegociado.

La obra igualmente conceptual Figure (_2100799) (2017) adopta otro enfoque para perturbar el campo de visión convencional. Aquí, una extensión azul triangular interrumpe el acto de observar la figura, creando algo así como un escudo. Esta superposición de materiales abstrae el cuerpo en una forma más trascendental que evade las definiciones fijas. Como en la práctica de Sepuya en su conjunto, la relación entre artista, modelo, espectador, espacio de arte y obra en sí permanece continuamente mediatizada.

En sus esculturas, instalaciones y prácticas basadas en lentes, el artista Shikeith utiliza técnicas de luz, espacio y duración para crear imágenes extáticas. Kris (in blue) (2021) utiliza el retrato como un medio para transmitir multiplicidad, superponiendo una fotografía con otra para expandir imágenes fijas en múltiples planos de espacio y tiempo. Es un acercamiento visualmente caleidoscópico que honra la figura de la obra como un rastro fotográfico inmaterial, casi fantástico.

Obras como A Missed Prayer y Brush your Blues (ambas de 2017) adoptan un enfoque más corpóreo, retratando la fisicalidad compartida como una referencia a la intimidad, así como una forma figurativa de cambio de forma. Estas fotografías nos preguntan: ¿Quiénes somos cuando acogemos la vulnerabilidad de la comunión? ¿Qué posibilidades se abren a través de actos de ternura queer?

Estos artistas reformulan lo que significa ser representado: ver y ser visto como obra de arte y creador. Al hacerlo, continúan la tradición de larga data de la creación artística negra queer que se ofrece completamente solo a aquellos que existen dentro de un plano de experiencia compartido. Al igual que las figuras negras, queer y transculturales que vinieron antes, estos artistas crean nuevas posibilidades a través de su compromiso radical con el espacio, el tiempo y la forma, resistiendo la cooptación por parte del llamado espectador dominante. Aquí, las prácticas figurativas son una de las varias formas en que los mundos ilimitados de la vida queer negra pueden cultivarse y protegerse.

Sarah-Tai Black (they/them) es una curadora de arte y crítica nacida y (principalmente) criada en el Territorio del Tratado 13/Toronto cuyo trabajo tiene como objetivo centrar el trabajo de libertad y futuridades negras, queer, trans y crip.