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Apr 03, 2023

En su estudio de Brixton, la artista española Natalia González Martín le da un giro milenario a los materiales medievales de paneles de madera y conejos

Nos reunimos con la artista en su estudio mientras se preparaba para varias exposiciones próximas.

Naomi Rea, 6 de junio de 2023

Cuando visité a Natalia González Martín justo antes de Navidad, reconocí algunos Polvorones, una galleta navideña tradicional española, anidados en sus estantes junto a una copia bien manoseada de La Metamorfosis de Ovidio y libros sobre pintores barrocos y maestros del Renacimiento. Es una estantería que podrías esperar encontrar en la oficina de un conservador de museo, pero un vistazo rápido al desorden en el resto de la habitación, pinturas envueltas al azar y los restos de fideos ramen instantáneos en el bote de basura, me situó en el estudio de un joven artista.

Nacido en 1995, González Martín crea pinturas hipnóticas sobre una de las formas de arte más antiguas: la madera. A primera vista, sus delicados paneles de madera no se sentirían fuera de lugar en una iglesia florentina, pero sus inquietantes protagonistas femeninas miran al espectador de una manera que las representaciones pasivas de la historia del arte occidental no suelen hacer. Cuando visité su estudio en Brixton, ella estaba trabajando en una serie que, según dijo, exploraba "el lado oscuro del cuidado personal", y las pinturas completas se mostraron en un stand individual en Miart con la galería suiza Sebastien Bertrand. Actualmente, las obras del artista se exhiben en "Fiebre de la felicidad" como una exposición individual que actualmente se exhibe en el Palazzo Monti, un centro cultural y residencia de artistas en Brescia. Sus obras también se exhibirán en "Reverie", una exposición de tres personas que incluye a Ania Hobson y Brittany Miller en el espacio emergente de Steve Turner Gallery en Nueva York que se inaugurará el 8 de junio.

A nuestro alrededor, sobre un par de caballetes, había un conjunto de suaves pinturas al óleo en colores pastel inspiradas en la tradición pictórica de "femme a la toilette"; representaciones íntimas (o ligeramente voyeuristas) de mujeres acicalándose en entornos domésticos. Pero una mirada más cercana a estas bellezas reclinadas oculta detalles inquietantes. En lugar de deleitarse, parecen ser catatónicos. Una se enjabona con loción en una llamativa pintura titulada El embalsamamiento. Otro se sienta desplomado junto a lo que al principio parece ser un tazón de bayas frescas o rubíes brillantes, pero en una inspección más cercana parece una porción de pastillas translúcidas de ibuprofeno. Estas mujeres están atrapadas en ciclos interminables de preparación que nunca parecen conducir a la autorrealización o la sensación de control que se les prometió.

Nos reunimos con la artista sobre la artista para hablar sobre sus puntos de referencia históricos del arte, los peligros de trabajar con madera y convocar la inspiración divina en la pintura contemporánea.

Natalia González Martín, El embalsamamiento (2023). Cortesía del artista.

¿Qué es algo emocionante que te ha sucedido recientemente en el estudio?

Trabajo desde la fotografía, pero tengo modelos, y la mayoría de las series son retratos del mismo modelo. Empecé a trabajar con ella recientemente, y esto suena muy antiguo, pero creo que es mi musa. En serio, tener este modelo me ha abierto muchas puertas para pintar y estoy muy emocionada. Antes me fotografiaba con un temporizador, pero me estaba atascando. No sé posar, no sé comunicarme con mi cuerpo. Aparte de eso, estaba usando imágenes de stock para las partes del cuerpo. La plasticidad de esas imágenes se manifiesta a veces. Así que estoy muy emocionado de trabajar con modelos reales que saben lo que están haciendo.

¿Mezcla sus propios colores o los compra premezclados?

Ambos. De hecho, tengo bastantes pigmentos que compré recientemente, de los que estoy completamente enamorada, que han inspirado los colores de la paleta. Entonces, el púrpura que están viendo aquí, no es exactamente el púrpura recién salido del tubo porque siempre siento que recién salido del tubo es un poco demasiado brillante y, a veces, eso puede ser un poco abrumador para el resto de la imagen. Así que por lo general es un poco mixto. A veces uso muchos lavados, así que es pintura directamente del tubo pero tan diluida que pierde el color y se vuelve casi como otro tono en contraste con lo que había debajo.

Y que tipo de pinturas usas?

Siempre es pintura al óleo. Me gradué y uso mucho de Michael Harding, y hace la diferencia. Realmente vale la pena. Obviamente, si eres estudiante, no lo recomiendo, porque todo tu dinero se gasta en eso. Pero si agrega un par de pigmentos, un tubo es muy útil. Y también como estoy pintando sobre madera, tengo un poco de miedo de introducir otras pinturas al óleo, quizás más baratas, que podrían funcionar muy bien para otros medios. La madera no es muy indulgente, por lo que desea un pigmento de la mejor calidad. Ves todo mucho más, lo que puede ser un problema.

Tienes un montón de diferentes tipos de pinceles aquí. ¿Cuál es tu favorito?

Sólo estos baratos de Jackson's. Están muy usados ​​pero es porque realmente son los mejores: los pinceles Sterling Pro Arte. Me encantan porque son muy flexibles, pero también muy rígidos. Son buenos para difuminar y son realmente buenos para líneas planas y precisas. Y no he podido encontrar otro cepillo que haga esto.

Natalia González Martín en el estudio. Foto de Naomi Rea.

¿Cómo se compara la pintura sobre madera con la pintura sobre lienzo, en cuanto a la conservación? ¿En qué tienes que pensar durante el proceso de creación? ¿Hay algo que hayas aprendido de la historia del arte y de cómo han envejecido los iconos o los viejos maestros?

No soy el mayor experto, pero cuando voy a los museos, algunas de las piezas más hermosas que veo siempre están en madera. Y son los más antiguos también. Mire el trabajo del período gótico temprano, era madera, ¡y todavía se ven bastante bien! Entonces, en mi cabeza, a menos que la calidad de la madera haya cambiado, lo cual podría ser posible, y estaban usando madera muy superior, espero que dure.

Pero hay mucho más proceso con la madera que con el lienzo. Bueno, en realidad eso es mentira porque el lienzo involucra todo el proceso de estiramiento, lo cual es probablemente una de las razones por las que comencé a trabajar con madera en secreto. Pero con la madera hay que imprimarla mucho más. He probado primers artificiales y realmente no funcionan. Crean una película que en realidad no se adhiere tanto a la madera, o así lo he experimentado. Así que tuve que usar pegamento de piel de conejo, que a veces es un poco asqueroso de usar. Es básicamente como un gel. No sé si lo has visto antes. Es todo pegajoso como el PVA, y no es apto para veganos. Si hace mucho calor y me lo he aplicado, las moscas vienen al estudio a comer.

Natalia González Martín en el estudio. Foto de Naomi Rea.

Hablemos de tus influencias artísticas. ¿Por dónde empieza, con estas antiguas pinturas de iconos sobre madera?

Comienza en todas partes porque realmente no puedes elegir lo que vino primero. En realidad, no sé si esto es porque estoy haciendo madera o si estoy haciendo madera a causa de esto. Hoy en día, si voy a un museo, esas primeras salas con los retablos y los trípticos son los espacios principales donde me quedo. No sé si esto es un poco obsesivo, pero esas pinturas parecen mágicas. En cualquier otra pintura, puedes mirarla y tal vez puedas entender cómo está hecha. Pero esos que realmente no puedo entender. Es demasiado elegante, es demasiado plano. Es casi digital en cierto modo. Y solo teniendo en cuenta las herramientas que tenían en ese período, se siente como magia.

¿Y cuáles son tus museos favoritos para visitar?

Tengo que decir El Prado porque ¿qué tipo de español sería si no lo hiciera? Pero realmente es increíble. Recientemente restauraron La Anunciación de Fra Angelico, hay videos de la restauración y te ponen la piel de gallina, como: 'Oh, Dios mío. ¡Alguien ha puesto sus manos en esa pintura! Y el resultado es espectacular.

La Galería Nacional tiene cosas medievales realmente buenas, y disfruté mucho ir al Museo Getty en Los Ángeles en febrero. También tienen una muy buena colección, lo cual es raro de ver en Estados Unidos porque es como la Europa medieval, y la arquitectura es tan moderna, es un contraste tan grande que te hace apreciar más la pieza. Siento que a veces puedes ir a una iglesia, que normalmente es donde pueden estar los frescos y retablos más asombrosos, no vemos el tecnicismo porque todo es tan técnico a su alrededor que no se destaca. Pero si lo pones en una pared blanca, de repente dices: "Mierda, esto es pintura. Esto no es solo diseño de interiores". Y realmente cambia la percepción.

Natalia González Martín, Afectaciones (2023). Cortesía del artista.

Háblame de esta serie.

Todo esto tiene que ver con el cuidado personal, el lado oscuro del cuidado personal. Es una crítica a eso. Entonces se volverán un poco más oscuros de lo que parecen en este momento.

El lado oscuro del autocuidado: ¿cuál fue tu punto de partida para la serie?

Recientemente leí Madame Bovary. Sé que suena muy culto, pero todos esos autores franceses de esa época, los realistas, son una lectura muy divertida. Es muy parecido a ver algo en Netflix. Y Madame Bovary es una persona que quiere salir de lo que pasa por su mente; ella nunca está contenta. Probablemente tiene depresión crónica. No diría ansiedad, pero obviamente ella tiene algo que en ese momento no podía ser diagnosticado y creo que Flaubert lo sabía aunque no tenía las palabras para expresarlo. La descripción es demasiado buena para que él no se dé cuenta de que ella no está bien y no es solo una mujer que necesita un hombre. En algún momento, ella entra en ese estado de depresión. Es tan difícil que tiene que quedarse en cama y los médicos le dicen que no se vaya. Es un poco ambiguo, la duración del tiempo. Pueden ser un par de semanas o meses porque luego todos se sorprenden mucho al verla.

Toda esa idea de que debes quedarte en la cama, estar cómodo, quedarte en tu habitación, relajarte, no te atrevas a hacer nada más… Si has leído The Yellow Wallpaper, es el mismo concepto. Y siento que tenemos un poco de eso en el estilo de discurso sobre el cuidado personal hoy en día. Es toda la idea de que "me estoy tomando un día entero para mí", siento que toda la cultura del autocuidado es muy aislante. El término original era mucho más un término de protesta, pero ahora se ha convertido en "¿Dónde está tu mascarilla? Si no estás haciendo todo esto, no te estás ayudando a ti mismo. Así que es tu culpa si eres malo". Se ha vuelto realmente tóxico y comercial también. La paleta de estos está inspirada en la paleta de Clinique.

Vista de instalación del stand individual de Natalia Gonzalez Martin en Sebastien Bertrand Miart 2023. Cortesía del artista.

Entonces, ¿qué significa el autocuidado para ti en un sentido positivo?

Bueno, por el momento se trata de salir de mi propia cabeza. Creo que cambia con el tiempo, el cuidado personal solo significa asegurarse de que estás haciendo lo que es mejor para ti en este momento, lo que, de nuevo, no significa que vaya a ser lo mismo para todos. Entonces, algo que tenga una estética no tiene sentido porque todos van a tener necesidades diferentes. Entonces para mí es forzarme a no estar adentro, que es lo contrario de lo que hizo esta gente, que es aislarse. Sal y no te quedes solo por mucho tiempo. Piensa en otras personas básicamente. No eres solo tú aquí. Todo el asunto de quedarse en la cama todo el día, todo el mundo se ha dado el gusto, y a veces puede hacerte sentir aún peor.

¿Alguna vez te quedas atrapado en el estudio y no sabes a dónde ir?

Oh, como el 90 por ciento del tiempo. Es muy raro que piense, sé exactamente lo que estoy haciendo con este cepillo hoy. Normalmente es solo prueba y error y muy frustrante. Pero no creo que eso vaya a cambiar nunca y no creo que eso cambie para nadie. No conozco muchos artistas que digan: 'Está bien. Sé exactamente lo que estoy haciendo. Tienes que atascarte. Es horrible, pero necesitas emocionarte cuando te despegas, y entonces estás en lo más alto.

¿Cómo te despegas?

Pinto, que probablemente no es lo que debería hacer. Debería estar dibujando o como, tal vez centrándome en la investigación o de nuevo, saliendo y mirando. Solo me siento aquí cuando podría haber pasado el día viendo galerías, pero siento que si estoy en el estudio, esto es lo que necesito hacer. Así que es un poco como, por eso me digo a mí mismo: no hagas esto. Ve a ver algo de arte, que es lo mejor para abrirte un poco. Pero solo pinto. Significa que tengo un millón de pinturas repugnantes que espero que nunca vean la luz del día porque son ensayos apropiados, como: malos.

La cosa es que a veces te golpea la inspiración divina o algo así. Y se vuelve muy sencillo. A veces sabes realmente lo que estás haciendo en el estudio. Y entonces esto, todos estos, comencé la semana pasada. Así que tienen una semana, básicamente son bebés. Las cosas que se escriben, sabía exactamente lo que estaba haciendo, es el resto con el que probablemente me tomaría un par de semanas. Como conseguir los detalles de esta tela. Sé que va a ser mucho trabajo.

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¿Qué es algo emocionante que te ha sucedido recientemente en el estudio? ¿Mezcla sus propios colores o los compra premezclados? Y que tipo de pinturas usas? Tienes un montón de diferentes tipos de pinceles aquí. ¿Cuál es tu favorito? ¿Cómo se compara la pintura sobre madera con la pintura sobre lienzo, en cuanto a la conservación? ¿En qué tienes que pensar durante el proceso de creación? ¿Hay algo que hayas aprendido de la historia del arte y de cómo han envejecido los iconos o los viejos maestros? Hablemos de tus influencias artísticas. ¿Por dónde empieza, con estas antiguas pinturas de iconos sobre madera? ¿Y cuáles son tus museos favoritos para visitar? Háblame de esta serie. El lado oscuro del autocuidado: ¿cuál fue tu punto de partida para la serie? Entonces, ¿qué significa el autocuidado para ti en un sentido positivo? ¿Alguna vez te quedas atrapado en el estudio y no sabes a dónde ir? ¿Cómo te despegas?
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